작곡
송라이팅 (songwriting)은 화성 전개와 보컬 멜로디를 중심으로 음악적 아이디어를 발전시키는 과정에 관한 연구입니다. 이는 현대 음악 제작의 보편적인 토대가 됩니다. 예를 들면, 음악가가 기타와 목소리만으로 화성 전개, 보컬 멜로디, 가사 등을 한 번에 녹음한 데모를 만드는 것이 송라이팅입니다—즉, 선율과 반주의 화성적 구조를 만드는 걸 말합니다.
편곡과 송라이팅의 차이, 퍼블리싱/저작권을 통해 알아보기
송라이팅이 음악 산업에서 어떤 과정을 지칭하는 지를 알아보기 위해 퍼블리싱/저작권에 대해 살펴볼 수 있습니다. 한 아티스트의 노래의 퍼블리싱은 크게 작곡/작사와 편곡에 대한 두 권한으로 자주 생각됩니다. 이 중, 작사/작곡에 해당하는 개념이 송라이팅입니다:
프로듀서/비트메이커가 트랙 즉 배드를 만듭니다.
완성된 트랙을 탑라이너 (탑라인 전문 작곡가를 말함)에게 보냅니다.
탑라이너는 트랙을 듣고 감정과 에너지를 파악한 뒤, 보컬 멜로디를 작곡해 초안 (demo)를 제작합니다.
프로듀서, 아티스트, 레이블이 데모를 듣고 사용 여부를 결정합니다.
채택되면 아티스트에게 전달되고, 다듬는 과정을 거쳐 최종 곡을 발표합니다.
음악의 구성요소
음악의 구성 요소 (concepts of music)는 영국과 호주 등 영미권 클래식 교육에서 활용되는 분석 체계입니다. 한 곡의 전개와 패턴을 논리적으로 분석한 후, 연주하는 데 탁월한 도구입니다. 이는 작곡에서도 유용하게 사용될 수 있습니다.
구조와 형식 (form): 곡의 전체적인 설계도를 의미합니다. 전체적인 흐름과 단락의 배치를 파악하는 기준이 됩니다.
음색/악기와 역할 (instrumentation & roles): 악기 구성과 각 악기의 기능을 정의합니다. 크게 선율 (melodic), 화성 및 반주 (harmonic/accompaniment), 리듬 (rhythmic) 역할로 구분하여 음악의 질감을 분석합니다.
음역과 레지스터 (range & register): 높낮이에 따른 음악적 배치를 다룹니다. 레지스터는 특정 구간이 고음 (treble), 중음 (middle), 저음 (bass) 중 어디에 머무는지를 설명하며 (예: 벌스는 중음역, 프리코러스는 고음역에 있을 수 있음), 음역 (range)은 최저음과 최고음의 폭을 나타내어 곡의 역동성과 절정을 가늠하는 지표가 됩니다.
프레이징 (phrasing): 음악을 '문장'으로 생각하기 위한 체계입니다. 마치 대화처럼 질문 (antecedent)과 응답 (consequent)의 구조를 통해 음악적 서사를 완성합니다.
오스티나토 (ostinato): 곡의 미시적 구조이자 DNA라 할 수 있는 반복 패턴입니다. 팝 음악에서는 주로 화성 진행 (chord progression)과 모티프 (motif)로 규정하며, 특히 모티프는 곡 전체에 반복되는 보컬 멜로디의 핵심 단위를 의미합니다.
그 외에도 다이어그램 (diagram)이 존재합니다. 다이어그램은 악보와 그 위의 표현 체계를 지칭합니다.
모티프, 보컬 선율의 오스티나토
모티프 (motif)는 보컬 선율의 핵심 오스티나토를 지칭합니다. 노래 전체 또는 한 구간에서 꾸준히 반복되어야 할 보컬 선율/박자/주제의 원형을 말합니다. 보통 8개 미만의 음표로 설계됩니다.
동일한 멜로디라도 부르는 사람에 따라 음률, 음역대, 리듬감, 스타일, 표현 방식이 달라질 수 있습니다. 멜로디, 리듬, 가사 외에 녹음 과정에서 고려해야 할 이러한 요소를 보컬 퍼포먼스 (vocal performance)라 합니다 (음악의 구성 요소에선 보컬 중 역할, 음역과 레지스터를 말함).
가사와 음율 (rhythmical charm), 모든 노래는 메시지를 담고 있습니다 (특히 가사 위주의 팝 음악에서 더욱 그러합니다). 잘 만든 가사는 이 메시지를 진실되게 전달해야 합니다. 또한 이 과정에서 각 단어의 발음과 같은 어휘적 요소가 곡에 맞는지도 고려해야 합니다. 뿐만 아니라 모티프를 점진적으로 변형하고 발전시켜 (즉, 프레이징) 선율에 흐름과 전개성을 부여할 수 있어야 합니다. 다음은 보컬 선율을 프레이징할 때, 자주 사용되는 패턴입니다:
숨점 (breathe)는 가수가 자연스럽게 숨을 쉬거나 멈추는 지점입니다.
음악적 윤곽 (musical contour)은 음악이 움직이는 방식을 나타냅니다. 예를 들어, 상승하는 구절 다음에 하강하는 구절이 올 수 있습니다.
긴장과 이완 (tension and release)은 멜로디를 통해 만들어지는 해결감을 의미합니다.
탑라이닝은 결국, 모티프를 만들고, 이를 어떻게 발음하고, 어떻게 변형하며, 타이밍을 어떻게 조절할 것, 프레이징할 것인지에 대한 개발입니다.
팝 음악의 형식: 벌스, 프리코러스, 코러스
현대 팝 음악은 정형화된 절들과 그 관계로 구성됩니다. 벌스, 프리코러스, 코러스, 브릿지 등이 대표적인 구절입니다. 능숙한 작곡가는 정해진 오스티나토를 기반으로 각 구간마다 지녀야 할 고유한 감정을 프레이징할 수 있어야 합니다.
벌스는 곡의 서술에서 가장 중요한 구간입니다. 주로 유사한 멜로디와 가사가 반복되는 형태를 띱니다.
프리코러스은 긴장감을 조성하여 더 극적인 후렴으로 이어지게 합니다. 특히 팝 음악에서 자주 사용되는 요소입니다.
코러스는 곡의 전반적인 정서와 주요 멜로디를 담고 있는 핵심 구간입니다. 이 부분에서는 요소들이 큰 간격으로 반복되며, 친숙함과 조화에 중점을 둡니다.
리프레인은 후렴과 유사하지만 곡의 완전한 주제는 아닙니다. 주로 본격적인 후렴 전에 대조나 긴장감을 조성하는 역할을 합니다.
인트로와 아웃트로는 각각 곡의 처음과 끝에 위치합니다. 시작은 곡의 분위기와 주제를 소개하고, 마무리는 곡을 정리합니다.
브릿지는 한 단락에서 다음 단락으로 넘어가는 연결 역할을 합니다. 근 후렴이나 리프레인과 혼동될 수 있지만, 완전히 새로운 주제를 제시한다는 점에서 구별됩니다.
일부 곡에는 악기 독주가 포함될 수 있습니다.
화성학
서구권 음악에서 화성 (chord)은 조화롭게 (때로는 부조화롭게) 연주되는 음들의 집합입니다. 화성은 멜로디와 어우러져 음악의 조화와 형식을 만드는 기초 요소입니다.
기초적인 음악 용어 정리
음높이 (pitch)는 소리의 높고 낮음을 말하며, 물리학적으로는 소리의 진동수로 결정/정의됩니다. 진동수가 높으면 높은 음, 낮으면 낮은 음이라고 표현합니다—음은 총 7가지, "도-레-미-파-솔-라-시"로 존재합니다 (이 체계를 칠음계라 함).
음정 (interval)은 두 음 사이의 상대적인 거리입니다.
옥타브 (octave)은 음의 공간/구간에 대한 개념입니다. 옥타브는 음의 높낮이 차이나 음역대를 말합니다. 과학적으론 진동수가 정확히 두 배인 간격을 지칭합니다.
조성 (key)는 한 곡에 대해 중심으로 생각할 수 있는 으뜸음과 그에 따른 규칙을 말합니다. 예를 들어, "이 곡은 C Major야"라 서술한다면, 그 곡은 C가 으뜸음이 되어 곡을 이끌어간다는 뜻입니다. 어떤 음계를 으뜸음으로 잡느냐에 따라 여러 느낌이 결정됩니다.
다양한 음높이 표현 체계
문자 이름 표기 (lettering notation)는 음높이를 "C-D-E-G-A-B" 문자로 표기하는 방식입니다.
솔페지오 (solfege system)는 성악 교육을 위해 개발된 방법으로, 음높이를 쉽게 기억하고 표현할 수 있게 해줍니다—"도-레-미-파-솔-라-시-도".
숫자보 (numbered musical notation)는 "도-레-미-파-솔-라-시"를 "1-2-3-4-5-6-7"로 치환하는 표기 체계입니다. 오선지가 없어도 숫자로 멜로디를 쉽게 적을 수 있고 조르르 옮겨도 숫자 관계는 변하지 않아 작곡/연주에 편리합니다.
조성과 성질
한 화음은 조성 (key)와 성질 (quality), 두 가지 성질로 정의됩니다. 조성은 근음을, 성질는 화성을 구성하는 음의 개수나 그 사이의 간격을 규정합니다. ⭐ 대표적인 화음 네 개를 살펴봅니다:
삼화음 (major)은 근음, 제3음, 제5음 총 세 개의 음표로 구성된 화성입니다.
칠화음 (7th)은 근음, 제3음, 제5음, 제7음으로 구성된 화성입니다. 음정 간격에 따라 딸림칠화음, 장칠화음, 단칠화음 등으로 구분됩니다.
확장화음 (10th)은 칠화음보다 더 많은 음을 포함하는 화음입니다. 구화음, 십일화음, 십삼화음 등이 이에 해당합니다.
걸림화음 (sus)은 제3음 대신 제2음이나 제4음으로 대체된 화음입니다.
sus2,sus4등이 이에 해당합니다.
삼화음을 이루는 음높이
화성을 이해하기 위해 가장 기본적인 형태인 3화음 (triad)을 먼저 살펴볼 수 있습니다. 삼화음은 세 개의 음을 특정 간격으로 쌓아 만든 화음으로, 다음의 세 음으로 구성됩니다 [그림 1]
근음 (root)은 화성의 기초가 되는 음입니다.
제3음 (3rd)은 근음으로부터 약 3 음정 위에 위치한 음입니다.
제5음 (5th)은 근음으로부터 약 5 음정 위에 위치한 음입니다.
음정에 대해 이해하기
음정 (interval)은 두 음표 사이의 음정상 절대적 거리를 의미합니다. 화성을 이러한 관점에서 이해하면, 하나의 화성은 근음을 기준으로 다른 음표들과의 간격 관계로 파악할 수 있습니다.
동음정은 두 음표가 같은 음정을 가지지만 옥타브 차이가 있는 경우를 가리킵니다. 예를 들어,
C3와C4는 동음 관계입니다.2음정은 두 음표의 알파벳이 한 단계 차이 나는 경우를 의미합니다. 장2도와 단2도가 있습니다. 예를 들어,
C와D는 장2도,C와Db는 단2도입니다.반음은 가장 작은 간격으로, 바로 위의 음표를 지칭합니다. 예를 들어,
C의 반음 위는C#입니다.온음은 두 개의 반음으로 구성됩니다. 예를 들어,
C의 온음 위는D입니다.이 외에도 다양한 음정이 존재하며, 마찬가지로 반음과 온음에 따라 장조와 단조로 구분됩니다.
⭐ 이렇게 한 화성은 근음과 그에 대한 음정 정보로 규정될 수 있습니다—예를 들어, m7은 0, 3, 7, 10로 표현됩니다. 이 방식을 음정 표기법이라 합니다.
음성
음성 (voicing)은 하나의 화성 내 음표들을 본 특성 안에서 재배열하는 것을 의미합니다. 음표의 순서 변경, 옥타브의 조정 등이 가능합니다. 이를 통해 기초음 기반의 연주를 피하거나 리듬을 부여함으로써 더 다양한 감정을 가져올 수 있습니다. 다양한 종류의 보이싱이 존재하며, 이는 각 구간이나 악기에 따라 전략적으로 선택됩니다:
열린 음성 (open voicing)은 음표들을 옥타브 간격으로 배치합니다. 음향에 공간감을 주기 위해 사용됩니다. 여러 악기를 동시에 연주할 때 자주 사용됩니다.
닫힌 음성 (close voicing)은 모든 음표를 최대한 가깝게 배치합니다. 보컬과의 조화나 키보드 파트에서 자주 사용되는 전략입니다—팝송 반주를 만들 때 대부분 이 전략을 사용합니다.
리드 보이싱 (lead voicing)은 각 음표를 최소한으로 이동시켜 원래의 음색을 유지하는 전략입니다 (잘 안 쓰임).드랍 2와 드랍 3은 주어진 화음 순서에서 특정 음표의 옥타브를 낮추는 기법을 의미합니다. 드랍 2는 두 번째 음표를, 드랍 3은 세 번째 음표를 한 옥타브 낮춥니다 (드랍 3가 더 자주 쓰임).
박자 보이싱은 한 개의 화성에서 여러 개의 보이싱을 사용하는 것입니다. 현대 팝 음악에서 매우 중요한 전략으로, 다양한 탑라인과 자연스러운 전개를 만드는 데 활용됩니다.
슬래싱은 해당 화성에 속하지 않은 음표를 연주하는 것입니다. 주로 베이스 옥타브가 선택되며, 이를 통해 진행에 독특한 특성을 부여할 수 있습니다.
리드 보이싱 (lead voicing)은 각 음표를 최소한으로 이동시켜 원래의 음색을 유지하는 전략입니다 (잘 안 쓰임).⭐ 한 화성 내의 음표끼도 음성 배치 (옥타브 및 거리)에 따라 불편하게 들릴 수 있습니다. 이를 불협 (dissonance)라 합니다.
간격적 불협: 음표 간 간격이 지나치게 좁으면 충돌이 발생합니다. 따라서 음성 배치 시 각별히 주의하고, 불협이 일어나기 쉬운 음정은 좁은 간격으로 사용하지 않는 것이 좋습니다.
레지스터링: 불협은 저음역대에서 더 두드러집니다. 따라서 저음과 고음에 다른 접근법을 적용해야 합니다.
저음 (
C2 - G3구간)에선 불협이 나기 쉬운 음정을 피하고, 좁은 간격을 사용하지 않습니다.고음 (
C4 - G5구간)에선 상대적으로 좁은 간격을 사용할 수 있습니다.
음자리표/레지스터링을 통한 음성
음자리표 (clef)는 악보에서 음표의 옥타브 위치를 나타내는 체계입니다. 낮은음자리표, 높은음자리표, 그리고 중간 음역의 알토 음자리표로 구성됩니다. 연주에서 음자리표는 어느 손을 사용할지 지시하는 역할을 합니다. 반면 작곡에서는 낮은 음과 높은 음에 접근하는 체계 (레지스터)로 사용됩니다.
낮은음자리표 (bass clef):
C2 - G3구간으로, 주로 왼손으로 연주합니다. ⭐ 이 음역대는 음들이 충돌하기 쉬우므로 보통 2개 이하의 음표만 사용합니다.높은음자리표 (treble clef):
C4 - G5구간으로, 주로 오른손으로 연주합니다. 멜로디와 상성이 이 음역대에 위치합니다. 이 구간은 흔히 "세이프존 (safe zone)"이라 불립니다—리드 보컬이나 리드 악기와 충돌 없이 자연스럽게 어우러지기 때문입니다.알토음자리표 (alto clef):
G3 - C4구간에 음표를 주지 않는 것이 좋습니다. 특히 반주를 만들 때 보컬과 직접 충돌하는 경우가 많기 때문입니다.
음자리표 기반 레지스터링은 팝송 반주 제작에 유용한 개념입니다. 보컬의 주요 에너지는 100 - 400 Hz 구간에 위치하며, 알토음자리표는 261 Hz에 해당합니다. 반주가 알토음자리표 구간에 음표를 배치하면 보컬과 충돌합니다. 이 때문에 팝송 반주는 해당 레지스터의 음표 사용을 피합니다.
화성학에서 1, 4, 5, 8을 완전 음정 (perfect intervals)이라 규정합니다. 이들은 소리가 서로 부딪히지 않고 가장 완벽하게 어울립니다. 또한 장단 (major or minor)과 관계없이 화음 내에서 거리가 일정하게 유지됩니다. 흔히 말하는 파워 코드 (power chord)는 1, 5, 8만 사용한 화성입니다.
음계와 선법
음계 (scale)는 특정 음을 담은 한 바구니 또는 순서대로 나열한 사다리로 생각할 수 있습니다. 다양한 음계가 존재하며 온음계, 반음계, 펜타토닉 등이 존재합니다:
온음계 (diatonic scales): 온음 5개 반음 2개 총 7개로 구성된 음계들을 지칭합니다.
반음계 (chromatic scale): 흰색, 검정 건반을 빠짐없이, 총 12 음을 다 사용하는 음계입니다.
펜타토닉 (pentatonic scale): 5개의 음만 사용하는 음계입니다. 브루스나 국악에서 자주 사용합니다.
모달/모드/선법 (modal/mode)은 음계보다 구체적인 개념입니다. 예를 들어, 온음계는 "온음 5개, 반음 2개"라는 구조만 정의하지만, 모달은 이 온음과 반음이 정확히 어떤 음인지까지 구체화합니다:
장조 모드 (Major 3rd를 포함하는 모드):
Ionian: (
1, 2, 3, 4, 5, 6, 7), 장조 모드의 기반이 되는 선법입니다.⭐ Lydian: (
1, 2, 3, #4, 5, 6, 7), 흔히 말하는 “증4”가 바로 리디안 선법을 지칭합니다—이오니안보다 더 깔끔한 감각을 가져옵니다.Mixolydian: (
1, 2, 3, 4, 5, 6, b7): 리디안과 비슷하지만 좀 더 신비스러운 느낌이 강합니다.
단조 모드 (Minor 3rd를 포함하는 모드):
⭐Aeolian: (
1, 2, b3, 4, 5, b6, b7), 단조모드의기반이되.Dorian: (
1, 2, b3, 4, 5, 6, b7), 좀 더 재즈스럽고, 정밀한 느낌이 듭니다.Phrygian: (
1, b2, b3, 4, 5, b6, b7), 공격적이고 신비스러운 느낌으로 헤비 메탈, 스페인 음악에서 자주 사용됩니다.
⭐ 이런 음계는 모드와 함계 표기되곤 합니다—이는 으뜸/근음, 장단조, 음계의 정보를 모두 포함합니다. 예를 들어서 "D Major Diatonic"는 곧 "D Aeolian Diatonic"이며 D, E, F#, G, A, B, C#, D 음을 사용합니다.
Ableton Live는 스케일 모드 (MIDI 클립 → 스케일 모드)를 제공합니다. 선법을 선택하면 해당하는 음들을 하이라이트로 표시해줍니다.
화성진행
화성 진행 (chord progression)은 여러 화성이 연속적으로 재생되는 것을 의미하며, 특히 각 화성과 그 순서를 지칭합니다. 이는 곡의 기초로 작용하며, 감정적 방향성에 대한 기본 틀을 제공합니다. 대부분의 화성은 같은 간격이나 순서를 가질 때 비슷한 해상도와 감정을 표현합니다.
음도 표기에 대해 이해하기
음도 표기 (scale degree notation)는 으뜸음을 1로 설정하고, 다른 음들을 이에 대한 상대적 위치로 나타내는 이동도법 표기법입니다. 예를 들어 G Major 곡에서는 G가 1이 됩니다. ⭐ 숫자를 사용한다는 점에서 숫자보와 비슷해 보이지만, 숫자보는 고정도법을 따르기 때문에 서로 다릅니다. 주로 로마 숫자로 표현되며, 대소문자로 성질을 구분합니다.
⭐ 해상도, 긴장
해결, 긴장은 모두 화성의 연속적 진행에서 느껴지는 감정 변화를 설명하기 위한 용어입니다. 해결 (resolution)는 불안정한 화음 이후 안정된 화음으로 진행될 때 느껴지는 기대감과 그 충족의 정도/과정 (이를 “모션”이라 표현함)을 의미합니다. ⭐ 한 화성진행의 완성을 해결의 유무로 표현합니다. 뿐만아니라 이를 통해 각 구절에 흐름과 움직임을 분석할 수 있습니다.
IV-V-I진행은 "멀리 떠났다가 (V) 집 (I)으로 돌아옴"으로 해결이 있습니다. 반면IV-VII-I진행은 "멀리 떠나지 않고 (VII) 집 (I)으로 돌아옴"으로 해결이 없다고 표현합니다.강한 해상도의 진행은 깔끔한 완성의 감정을 줍니다—일반적으로
V dom,I등이 사용됩니다.약한 해상도의 진행은 부드러운 감정을 줍니다—
IV subdom,I등이 사용됩니다.
긴장 (tension)은 불안정한 화음을 들었을 때 청자가 안정된 화음으로 돌아가길 원하는 감정이나 기대를 뜻합니다. 반면, 이완 (release)은 긴장 후 안정된 화음을 들었을 때 청자가 느끼는 해소감으로 "집으로 돌아왔다"로 표현됩니다.
화성 기능론
으뜸음으로부터의 거리에 따라 각 음높이는 고유한 성질, 감정, 화성 진행에서의 역할을 정의할 수 있습니다. 이를 화성 기능론 (functional chord theory)이라 합니다. 한 조성 (으뜸음)을 기준으로 각 음높이는 다음과 같은 특성을 가집니다:
으뜸음 (tonic): 가장 완벽한 안정감, 휴식, 결론을 맺는 느낌, 그래야 할 음입니다.
웃으뜸음 (supertonic): 으뜸음 바로 위에 있습니다.
가온음 (mediant): 으뜸음과 딸림음의 중간 격의 위치입니다.
단가온음 (minor mediant): 메이저를 마이너로 바꾸는 핵심 사다리입니다—어둡고 슬픈 느낌을 가져오는 주된 축입니다.
버금딸림음 (subdominant): 딸림음만큼 중요하지만 약간 아래에 위치합니다.
딸림음 (dominant): 으뜸음 다음으로 가장 지배적입니다.
버금가온음 (subdominant): 으뜸음과 아래쪽 딸림음 사이의 중간에 위치합니다.
단 버금가온음 (minor subdominant): 서글프고 한탄하는 듯한 색채를 더합니다.
이큼음 (leading tone): 으뜸음으로 이끌어주려합니다.
단칠음 (minor leading tone): 으뜸음으로 가려는 힘이 가장 약해 허무하고 열린 느낌을 줍니다.
이러한 생각을 바탕으로 화성 진행에서 각 화성은 고유한 기능을 수행하는 요소로 해석할 수 있습니다:
토닉 (tonic)은 진행의 집으로 비유되는 안정감 중심의 화성입니다.
딸림 (dominant)은 토닉으로 향하는 긴장감을 만들며, 주로 토닉 직전에 위치합니다.
버금딸림 (double/sub dominant)은 토닉과 딸림 사이에서 진행에 움직임을 더하는 화성입니다.
종지 (cadence)는 구절이나 단락의 끝을 나타내는 화성입니다. 이는 절이나 후렴에 특정한 느낌이나 분위기를 부여하는 데 사용됩니다.
정격종지 (cadence)는 가장 강한 해결감을 주는 화성 진행입니다.
변격종지와 위종지는 보다 미묘하거나 여운을 남기는 해결감을 만드는 화성 진행입니다.
이런 개념을 각 구간에 적용해 긴장과 이완의 균형을 맞출 수 있습니다. 도입부는 적당한 긴장감으로 관심을 끌고, 클라이맥스는 강한 긴장과 해결로 극적 효과를 주며, 마무리는 부드러운 이완으로 안정감을 줍니다.
화성 기능론을 통한 화성진행 분석
화성 기능론을 통해 화성진행을 분석/설계할 수도 있습니다. 다음은 분석에 대한 예시입니다:
I, V, vi, IV는 많은 대중 음악에서 기본적인 진행으로 사용됩니다.vi, IV, I, V는 또 다른 인기 있는 진행으로, “멋짐의 축"(axis of awesome)”이라는 별명으로 알려져 있습니다.I, IV, V는 록, 포크, 그리고 컨트리 음악에서 자주 등장하는 진행입니다.I, vi, IV진행 또한 널리 사용됩니다.일부 대중음악은 단 두 개의 코드만으로 작곡되기도 합니다. 이는 더욱 미니멀하고 감각적인 느낌을 만들어냅니다.
I, V와vi, IV는 가장 흔한 2코드 진행입니다.I, vi는 앰비언트나 발라드에서 자주 사용되는 진행입니다.
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